EL CINE

Su historia comenzó el 28 de diciembre del año 1895 con los Hermanos Lumière, quienes reunieron una serie de requisitos y artilugios precinematográficos que ya estaban inventados; y lo que hicieron fue construír una serie de imágenes en movimiento captadas a través de una cámara que permanecía estática y las acompañaron de música; llevaron a proyectar su invención al café parisino “Salon indien du Grand Café del Boulevard des Capucines”. Esta proyección era un montaje de varias películas, la primera que rodaron fue “La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir” (salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisi).

El éxito fue rotundo ya que de 33 personas que participaron en la primera proyección en este café, pasaron a ser 2000 personas en las siguientes proyecciones.

Fotografía de los hermanos Lumière

Vanguardias Cinematográficas:

Escena de la película "Un perro andaluz"

SURREALISMO: surgido en Francia a partir del dadaísmo en la década de 1920; sus máximos representantes son Luis Buñues y Dalí con la obra “Un perro Andaluz”.

Cartel de la película de
Robert Wiene

EXPRESIONISMO ALEMÁN: surgido del expresionismo, movimiento cultural nacido en Alemania a principios del siglo XX donde prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad; Robert Wiene dirige la película “El gabinete del doctor Caligari”, inspirada en una serie de crímenes sexuales que tuvieron lugar en Hamburgo, Alemania.

Cartel de la película
"el acorazado Potemkin"

CINE SOVIÉTICO: comprende el arte del cine y películas creativas realizadas entre 1922 y 1991 en la Unión Soviética. Una de sus principales obras: “El acorazado Potemkin”, una película muda de 1925 dirigida por Serguéi M. Eisenstein. La película reproduce el motín ocurrido en el acorazado Potemkin en 1905, cuando la tripulación se rebeló contra los oficiales del régimen zarista.




Cine clásico (1910 – 1960):

Escena de la película "Casablanca"

Emplea unos sistemas de estudios (intento de producir cine como si se tratase de automóviles), una estructura industrial (star system) y una organización para hacer las películas; esto ocurría por el exceso de demanda que había. Buscaba la identificación del espectador con la película, es decir, todo lo que ocurre dentro de la pantalla debe estar al servicio de la historia, y tener sentido y coherencia. Títulos: “El cantor del Jazz”, fue el primer largometraje comercial con sonido sincronizado, dirigida por Alan Crosland en 1927; también “Casablanca”, una película estadounidense de 1942 dirigida por Michael Curtiz.

El cine sonoro llega en el año 1927.

Se viene abajo por la llegada de la televisión, y debido a ello, surge la modernidad cinematográfica y se construyen nuevos cines en multitud de países, en la que se incorporan sistemas de producción alternativos.


Cine clásico. Cine negro:

Personaje en la película
"El halcón maltés", clásica figura
de detective

Muestra la realidad social de EEUU en los años 20's, 40's..., con el crack del 29, el New Deal, la delincuencia en las calles, la ley seca que hace aflorar el concepto de Ganster; también aparecen las figuras del detective (que suele ser un hombre solitario y dependiente del alcohol) y de femme fatale. Tiene una importante base literaria (novela detectivesca, negra). Se basa en escenarios urbanos, donde muestra los bajos fondos de las ciudades. Mestra ambigüedad (ni lo bueno es tan bueno ni lo malo tan malo), dualidad, contraste. Aparece una ruptura del happy end. Títulos: “Scarface”, de Howard Hawks, 1932; “El halcón maltés”, de John Huston, 1941; “Retorno al pasado”, de Jacques Tourneur, 1947; “Al rojo vivo”, de Raow Walsh, 1949.


Cine clásico. Western:

Escena de la película "Raíces profundas"
clásicos personajes de cine Western

Muestra la colonización del oeste. Cobran importancia el paisaje, el duelo, la persecución, el héroe, el cowboy, el sheriff, los ranchos, el saloon, el “fuera de la ley” (la tierra era de quien la ocupaba primero), la presencia de los indios, y la mujer aquí se encuentra reducida al deseo, como un tópico. Muchos de sus personajes han sido mitificados como “Billy el niño”. Fue el primer género propiamente cinematográfico porque trata un conflicto real entre el primitivismo (caballo, diligencia, armas, venganza...) y la civilización (tren, prensa, ley, propiedad privada...). Títulos: “Centauros del desierto”, de John Ford, 1957; “Río Bravo”, de Howard Hawks, 1959; “Winchester 73”, de Anthony Mann, 1950; “Raíces profundas”, de George Stevens, 1953; “Johnny Guitar”, de Nicholas Ray, 1954.


Cine clásico. Comedia:

Escena de la película
"Historias de Philadelphia"

Género y macrogénero a la vez. Se define por los efectos que persigue (cuanto más hace reír, más buena es la comedia). Presencia de sadomasoquismo y subversión (en las dictaduras se usaban para entretener a los ciudadanos desviándoles así de otros temas). Se trata de un cine burlesco donde priman los malos entendidos y las paradojas. Reglas de oro de Preston Sturges. Títulos: “Ser o no ser”, de Ernest Lubitsch, 1942; “El apartamento”, de Billy Wilder, 1960; “Las tres noches de Eva”, de Preston Sturges, 1941; “Historias de Philadelphia”, de George Cukor, 1940; “La fiera de mi niña”, de Howard Hawks, 1938.





Cine clásico. Musical:

Cartel de la película de
Howard Hawks

Junto al Western, es el género cinematográfico por excelencia. La música y la danza aparecen como elementos articuladores del texto fílmico. Los escenarios tienen decorados coloristas, oníricos, muy iluminados. Existe aquí un ritmo interno muy ágil (cámara libre y participativa). Trata una representación sobre otra representación (backstage). Se amplía el concepto de verosimilitud, es decir, estamos dispuestos a simpatizar con ella dándole cierta veracidad. Conllevaba unos altos costes de producción. Títulos: “Melodías de Broadway”, de Vicente Minnelli, 1953; “Sombrero de copa”, de Mark Sandrich, 1935; “Siete novias para siete hermanos”, de Stanley Donen, 1954; “Los caballeros las prefieren rubias”, de Howard Hawks, 1953; “El mago de oz”, de Víctor Fleming, 1939.




Cine clásico. Cine de terror:

Personaje protagonista de la película
"El hombre invisible"

Nos remite a emociones, tensión y sensaciones. Consta de retorcidos escenarios con una luz contrastada, maquillaje y unos códigos sonoros (pasos, tormentas, música...). Su raíz mítica es jugar con los miedos y temores que han acompañado al ser humano desde sus orígenes. Juega un papel importante lo desconocido (fantasmas, vampiros, hombres lobo, muerte, psicópatas...). Existe un duelo entre superstición versus ciencia. Otro factor es la tensión entre lo bello y lo monstruoso, lo conocido y lo desconocido, lo consciente y lo inconsciente. Títulos: “La mujer pantera”, de Jacques Tourneur, 1942; “La parada de los monstruos”, de Tod Browning, 1932; “El hombre invisible”, de James Whale, 1933; “La momia”, de Karl Freund, 1932; “Los crímenes del museo de cera”, de André De Toth, 1953.


Cine. Modernidad cinematográfica:

Una de las grandes épocas de la historia del cine. Agotamiento del clasicismo en los años 50's. Aparición de nuevos cines en multitud de países. Esta nueva corriente rechaza la tradición narrativa, los ritmos antiguos, la cámara invisible, invita a la participación del espectador en la explicación, ya no hay mensajes explícitos, más arte y menos espectáculo, sistemas de producción alternativos (estado asistencial), etc.


Cine. Nouvelle Vague:

Escena de la película
"Al final de la escapada"

Término introducido por François Graud. Se refiera al cine realizado en Francia en esta época de efervescencia y agitación cultural, sartre, literatura, jazz... En los años 70, influídos por esta tendencia, los productores reivindican el sexo, las drogas y el rock and roll. Se crea el concepto de cinefilia, es decir, la adicción al cine. Nace la teoría del cine de autor, quien conlleva la responsabilidad de la película en vez del equipo (al contrario que en cine clásico). Se crea la Ley Pinay Malcraux en 1958 que protege el cine. Existencia de una conciencia metalingüísica. Títulos: “Los 400 golpes”, de Truffaut en 1959, “Al final de la escapada”, de Godard en 1960; “París” por Woody Allen; “París” por Truffaut.






fuente: información vista en clase, wikipedia